李安的中场休息,这就是命

2019-09-26 作者:娱乐新闻   |   浏览(101)

这部运用120帧、4k、3d技术拍摄而成的电影似乎大有一改往后行业发展的气势,然而在北美上映之后却招来了一批影评人对该片的批评,认为李安这次形式大于内容,影片内核十分空洞。但在我看来,这种内容上的“贫乏”恰巧是李安在本片中想要展现的,并且120帧的技术也很好地与影片结合在一起。

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有一种走火入魔,叫做《比利·林恩的中场战事》的4K、3D、120帧版。所以,为避免“傻大兵”入侵式的特写反复干扰我们对这部电影的判断,不妨先从24帧的普通3D版本审视神一样的李安。这究竟是怎样的一部电影?

批评者的口诛笔伐,其实是因为这部电影与他们期待的有太大出入。李安这部电影虽是讲述战场士兵,但全片不仅没有反思战争的地方,甚至连作者的态度也没展露出来,与传统战争片反差如此之大,是让批评者所不适的。但“藏”不正正是李安电影一贯的特点吗?“每个人心里都有一座断背山”,李安如果藏得不够深,便没有底气说出这么一句话了。而且这部电影并不是战争片,对战争的思考是李安在影片中极力避开的。这部电影更应视作是对“反思战争的电影”的反思。导演已借主角之口说出,我们平凡人所理解的战争根本就不是军人眼里的战争,什么“伟大”、“英雄”这些宏大的字眼在军人看来也只是一句空洞的口号罢了。那么作为旁人的我们,作为旁人的导演,对战争的反思到底有多少说服力?这种反思似乎只是在消费军人们的生活。

《比利林恩的中场休息》是李安折腾了很久的技术革新之作,把体裁锁定了伊拉克战争。这并非李安擅长的领域,之前描写南北战争的《与魔鬼共骑》已经折戟沙场,堪称李安职业生涯中的低谷之作,这次重拾,也是李安向过去挑战的一种证明——毕竟情感玩的太出神入化,想要再出神作,毕竟有点难。

在李安的电影序列中,《比利·林恩的中场战事》是一部足够私人化的作品,除了像素上的极限挑战之外,你很难相信他会如此漫不经心地讲述一个如此寡淡的故事。他比以往任何时候都更挑自己的观众,但实际情况可能是:与任性相对应的是李安的一次罕见迷失。

于是我们可以看到李安在片中对反战电影乃至该片本身的嘲讽。片中有一商人想买下B班士兵的英雄事迹并改编成电影,还义正词严地说B班这个故事已经超越了单纯的战争,而是升华为一种支撑着民族发展的德州精神。但吹捧得如此厉害却不愿付给士兵们应有的金钱,这无疑是对消费主义的刻薄讽刺。随后男主角也以理直气壮的口吻蔑视了富商一番,观众也被他刚刚那番措辞所折服,但转眼则被制片人说那一幕就是电影中的高潮段落,不拍成电影太浪费了。此处似乎是李安的自嘲。
李安在采访中表示,这部电影不是战争片,而是一部关于军人的电影。片中运用了多种手法来描绘军人的心理。最明显的当然是李安毫不吝惜地给此前没有拍片经验的男主角的多个特写,再加上新技术的应用来放大角色的神情;还有多次对主观镜头的运用,展现在军人眼中,旁人那些对战争的所谓深刻理解是多么枯燥、繁复;片中多次的闪回也力求让观众体会到战争对军人的正常生活的影响是如此之深。

从《少年派》开始,李安已经把技术挑战纳入自己“玩”电影的必要功课中,在交上了一记完美的全垒打之后,李安信心十足,开始在帧数上寻找突破口,于是《比利林恩中场休息》从亮相开始,就包含着满满的历史革新责任感,不知道这到底是一种幸运,还是一种逃避。

在2009年的威尼斯电影节上,以李安为首的评审团将金狮奖颁给了萨缪尔·毛兹执导的战争片《黎巴嫩》。那是一部将视野牢牢镶嵌在一架坦克瞄准器里的残酷电影,李安当时曾放言,他希望自己也能拍出这样一部角度刁钻的杰作。因此,当他选中《中场战事》这部轰动北美的畅销小说时,你会很自然地想到,李安可能终于找到了一个具有同等冲击力的全新视角去拍摄一部战争片,而不是挣脱于故事核心之外的影像技术革命。

通过这么多电影技法来表达军人眼中的战争,我们就可以看出本片大招“120帧”的必要性了。李安并不想反思战争,他只想极尽可能地呈现战争。透过120帧,可以使战争场景更加真实,观众便更能够走进军人的内心。李安把思考留给观众,不同的人都有不同的理解,即便是军人也一样:在一些军人眼中,战争是宿命。另一些军人则可能只是把战争视作他的生计。

先来谈下个人对这次帧数革命的初步感受吧。作为2k/120帧的体验者,虽然其震撼度虽可能赶不上4K,但是也比常规的2/3D更接近李安想要传达的视觉效果。第一眼的感觉如何呢?两个字: 震撼。在这里,李安耍了个小心机,用录影带资料片作为起始,然后再突然转换成120帧高清的主角起床画面,那一刻的对比是让人无法不惊叹的。之前有人提过近视患者初戴眼镜的感觉,所言不差,的确如此。接下来,在这种画面重复出现时,新奇感也就慢慢削弱了,剧情此时开始赶上,吸引走观众的关注点。整体而言,高清技术革命的发力之处多在高速运动和大场面之中,因此片中少有几个高潮点立刻让这种技术的长处发挥得淋漓尽致起来:一部分是沙场战斗的片段,一个就是明星表演的最高潮。我觉得最惊艳的当属表演那段。在那一段的处理中,导演刻意将表演的声光电攒在一处,憋了一股气,一下子发泄出来,当男主角和战友们站在缓缓升起的大屏后面时,那种让人窒息的盛大感和紧张感如同海浪般将人重重围住,无法挣脱,再辅以主角沉重的呼吸和第一视角,那一刻,的确让人无法不震撼。相比而言,后面的战争虽然也历历在目,但与其他战争片相比,并无太亮眼之处。

正如李安在《卧虎藏龙》大获成功时所表达的观点一样,二流小说有可能被改编成一部电影杰作,而一流小说也有可能被转化为一部失败电影。《比利·林恩的中场战事》的原著金句扎堆,男主角比利·林恩在“溜留之间”的复杂心态穿透纸背,很容易激起读者共鸣,但当文字转化为电影后,这种魔力意外地消失了。多数时候,你会像愣头青比利一样变得不知所措——家人、爱人、战友、媒体、商人、陌生人不断涌来,每个角色的功能都刻意到一览无余,可无论世态何等炎凉,你都无法和比利站在一起抵御来自这个世界的恶意。那些若隐若现的反战理念、舆论危机、身份焦虑、道德反思等等随处可见,却终究无法汇聚成一记重拳。如果说这是李安刻意而为之,那只能说,这种表达方式并未给作品带来积极意义。

遗憾的是,无论科技多么发达,120帧还是240帧,呈现出来的战争都不会是战争。如此看来,影片就显得有点矫揉造作了。例如在影片中,一名工作人员与B班士兵发生了争执,时候该工作人员竟然还叫上伙伴去找士兵寻仇。这一情节显得实在太过造作,刻意渲染平凡人对士兵的不尊重,多少有点为士兵“搏同情”的意味。

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《比利·林恩的中场战事》放弃一切套路的野心昭然若揭,这或许也是影片在北美口碑哑火的原因之一。毕竟,按照好莱坞反战片的经典拍法,从战场上重返家园的战士,无论如何都要面临生理心理的双重折磨,极端创伤附以杀戮梦魇,进而爆发自发性的反思。1946年《黄金时代》(二战背景)里的断臂士兵、1989年《生于七月四日》(越战背景)中坐上轮椅的阿汤哥等等,都是好莱坞主流价值框架里的悲剧英雄。从这点上讲,经历了肉搏和枪林弹雨的比利·林恩,能健全地出现在家门口喊妈妈,本身就是个与众不同的叙事切口。

塞万提斯写《堂吉诃德》是为了讽刺当时骑士小说的虚假,希望写完此书以后骑士小说会就此绝迹。而李安的这部电影也捉弄了反战电影一番,甚至还大方地自嘲了。然而战争片并不会因此而消失,毕竟“真实”在这个时代也只是一个营销点而已。于是在《中场战事》之后,又有另一部好评如潮的战争片《血战钢锯岭》上映了。

影片视觉效果最震撼处

只是,比利在“中场休息”前后的短暂时间内,对自我选择的不断摇摆,对生命与荣誉的价值判断,在与战争后遗症这一主题捆绑之后,让全片逐渐变成了一篇事先写好提纲的议论文,各种作为论据的碎片就那样走马观花地填充在影片的各个角落中。值得商榷的是,这种“填充”大多是通过比利与不同角色的对话(或可称之为“辩白”)完成,戏剧推力在中场表演之后逐渐懈怠,观众就好像与B班的战士一起被晾在了原地。直至啦啦队美女对比利“临门一脚”的痛心表白才稍稍挽回局面,这是全片为数不多的高潮。

说完技术,接下来就是影片争议最大的内容部分了。在豆瓣上,很早就有评论,讽刺此片是“征兵广告”,指责李安拍摄时的主流美国价值观;若带着这样的先入为主去看本片的话,的确各处都有迹可循,尤其是结尾主角的选择,更是难辞其咎。但是以李安长久以来的儒家修为,他真的会把本片拍成一个跪舔式的美国精神宣传片吗?我觉得不是。

在台词设计方面,语言与人物身份不符的情况屡有出现。B班班长的逻辑与口才有时会像阿伦·索尔金的剧本一样耀眼,比利与电影投资人的总结陈词、与范·迪塞尔的每一场对话,都能让人感觉到编导的过分干预。他们试图要把所有议题都讲明白,但中心始终涣散。

首先,李安出发的起点就是中庸。本片拍摄时,时间已经与伊拉克战争相距甚远,无论是支持还是反战的影视剧数量都数不胜数,而一连串的反战思考电影连连获奖更是让此类电影的拍摄难上加难,所以李安拍摄伊始就选择了一条中庸之路,而男主角更是和《与魔鬼共骑》的男主一样,非常有抽离感和命运感,这也许就是李安看中这本原著的原因——这是一本不肯明确表示观点的书,只有体会和纠结。所以在片中,无数人对战争和英雄的观点都到了充分表达,就连人们对军队同性恋的八卦好奇都有所涉猎。不主观灌输,而是让主角不断听到各界人士对他们的观点,这也许就是李安的第一个聪明的选择——展示而不评论。

抛开清晰度不谈,影片中,包括男主角在内的诸多重要角色,都贡献了额头顶出银幕的特写镜头,你试图捕捉到他们无畏而惊人的表演能量,但实际效果往往并非如此,尤其是当史蒂夫·马丁扮演的刻薄土豪出现在镜头上时,你会迫不得已地又一次出戏。

其次,主角在国内的经历就是一个强讽刺。林恩成为英雄后回到美国,享受了普通士兵无法享受的荣誉和赞美,这个本应让人开心激动的故事,却承担了太多的压抑和不快。在片中,主角和他的伙伴们进入了一个媒体云集、名流荟萃的焦点领域,但他们经历的并不是那么简单的赞美,而是紧张、压抑甚至是愤怒。

当然,李安在调教演员方面依旧出色。首次登上大银幕的乔·阿尔文,用几场潸然泪下的重头戏搅动了观众泪点。尽管其毫不露怯的表演水平,似乎仰仗于神一般的剪辑和配乐,但其与生俱来的个人魅力已经得到了充分发挥。需要特别提及的是,克里斯汀·斯图尔特扮演的姐姐,是全片唯一一个支撑起李安“大师”水准的角色。作为为数不多的“明眼人”,这个人物有着相对完整的前后史,她所经历的生活灾难、对弟弟的刻骨感情,都融入到了斯图尔特细腻逼真的表演中,她早已不再是《暮光之城》里找不到北的吸血鬼女友。

在那里,美国社会对战争的各种态度一股脑降落在他们身上,他们不再是一个个体,而是一个政府行为的代号,承担着各种甜言蜜语和讽刺厌恶冲击,而他们只能表演,克制真实的自我,把一切承担下来,熬过这漫长的一天。而这一天,或许比队长蘑菇牺牲的那天还难熬。

《比利·林恩的中场战事》更像是李安的一次“中场休息”,但愿拆掉“120帧”所构建的这个空洞华丽的舞台后,李安可以在下半场扳回一局。

从中,我们似乎能感受到影片想要传达的一种讽刺意味: 虽然大家都讨厌战争,但是你又无法离开它。这种感觉让观众和主角一样绝望。

本文转自荔枝锐评 文/耷子

关于林恩回到战场的选择,或许每个人都有些疑惑,认为一个精神压力这么大的人为何又选择回归?但是片中常常闪现的印度神像似乎是一个暗示,因为主角并没有受任何言论的蛊惑,而是单纯听从了命运的安排。这一点似乎初看很牵强,但却是导演最用心的铺垫所在~~林恩和蘑菇多次的长谈都提到了命运这个词,在战争和反战的思想缠斗中,只有命运这个词才能让深处战争崖口的他们麻痹自己,与敌搏杀,他们来不及考虑对错,来不及质疑祖国,接受命运的安排,这才是最简单的思维逻辑。于是他们赖此度日,期待能熬到逃出生天的那一天。

根本上,影片还是道出了中国人常常挂在口边的一句话:这就是命!谁都怨不了,只怨自己命苦!

虽然本片依然体现了李安最擅长的节奏把控功力和情感梳理调教,但由于原著内容的局限性,本片终究还是一篇流畅的小散文,而非重磅的叙事文,所以带来的信息量和冲击感也非《少年派》和《断背山》可比。而且电影题材过于照顾美国观众,寻求灯塔国人民的共鸣,所以必然牺牲其他国家观众的代入感和认同感,想要创造《少年派》那样的盛况估计很难。

继续期待李安,希望他的下一部作品带来的不仅是视觉震撼,而是心灵的震撼。

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